È tutto pronto per inaugurare la 76^ edizione del Festival di Sanremo, che anche quest’anno celebrerà la varietà e la bellezza della musica italiana, con ben trenta cantanti in gara che si sfidano a ritmo di note, strumenti e vocalità. Tutto il Paese, per l’occasione, punta i riflettori sulla località ligure, che oltre a confermarsi la città dei fiori per eccellenza, diventa attrazione dello spettacolo, del gossip, dei pettegolezzi, attirando un pubblico di professionisti del settore, giornalisti, fan e curiosi da ogni parte dell’Italia. 

Tuttavia, se si dovesse attribuire ad una città del Paese il titolo di capitale della musica questa non sarebbe Sanremo, ma Bologna. Da sempre, il capoluogo dell’Emilia-Romagna è conosciuto per vivere dell’arte dei suoni in tutte le sue forme, dal repertorio classico alle sonorità popolari, dal jazz al rock e alla scena contemporanea. Nel 2006 Bologna è stata ufficialmente nominata Città Creativa della Musica dall’Unesco, un riconoscimento che celebra la ricchezza storica e la vivacità melodica che da sempre caratterizzano il tessuto urbano e sociale del territorio.

La musica a Bologna non è solo intrattenimento, ma un elemento identitario radicato nei secoli. Fin dal Medioevo la città ha sviluppato una profonda cultura musicale, favorita anche dalla sua storica università e dai centri di formazione. Nella musica colta spiccano luoghi come la Basilica di San Petronio con il suo organo storico, il Conservatorio Giovan Battista Martini, prima scuola musicale pubblica in Italia, e il Teatro Comunale, teatro d’opera e concerti di alto livello.

Al museo si affiancano spazi come il Museo Internazionale e Biblioteca della Musica e luoghi sacri con organi rinascimentali, insieme a collezioni di strumenti storici come la Collezione Tagliavini nelle sue diverse sedi cittadine.

Oggi la capitale italiana della musica non è solo storia, ma una città che suona in ogni stagione. Oltre agli appuntamenti classici, diverse manifestazioni come il Bologna Jazz Festival, il Respighi e rassegne musicali dedicate a linguaggi diversi animano la città con concerti, performance e incontri.

La tradizione popolare è altrettanto viva: la filuzzi, variante locale del liscio, e la storica diffusione del jazz e della musica improvvisata testimoniano una cultura musicale che ha saputo evolversi senza perdere le proprie radici.

In generale, è noto a tutti come Bologna sia stata ispirazione per molti cantautori e musicisti che hanno segnato la storia della musica italiana, da Lucio Dalla a Cesare Cremonini, da Luca Carboni a Samuele Bersani. Questo legame con gli interpreti ha contribuito a creare un’immagine collettiva di Bologna come “città che canta e racconta”.

Negli ultimi anni, inoltre, eventi e concerti nei grandi spazi come l’Unipol Arena confermano come la città sappia ospitare anche grandi nomi contemporanei, mantenendo saldi i legami con la tradizione musicale locale. Contemporaneamente è infatti sempre possibile immergersi nel centro storico in luoghi legati all’arte sonora, ma anche in angoli dove ascoltare performance dal vivo o in bar e locali che ospitano regolarmente serate jazz, rock e indie, dalla Cantina Bentivoglio ai live club.

Si aggiunge al mosaico di opere d’arte costudite nei musei italiani un importante tassello del Rinascimento meridionale. L’Ecce Homo di Antonello da Messina, dipinto su legno a metà Quattrocento, era stato inserito come lotto 18 nell’asta Old Masters di Sotheby’s, in programma per lo scorso 5 febbraio a New York, con stima fissata tra i 10 e i 15 milioni di dollari. È nel pomeriggio del 7 febbraio che sono nate alcune indiscrezioni sui social riguardanti un possibile acquisto da parte dello Stato italiano. Spiccano tra le fonti quella della Fondazione “Federico Zeri” di Bologna che, con un post sulla propria pagina Facebook, ha dichiarato: “Appena battuta all’asta da Sotheby’s, da oggi è proprietà dello Stato italiano. Federico Zeri per primo l’attribuì al grande maestro: ‘il Cristo assume, con questa straordinaria smorfia, addirittura un aspetto che oggi si definirebbe mafioso. È un’opera giovanile ancora ignota alla letteratura artistica’” e quella del direttore della Galleria Nazionale dell’Umbria e della Pinacoteca Nazionale di Bologna ad interim, Costantino D’Orazio, che ha pubblicato un post — poi cancellato — nel quale annunciava: “Un nuovo Antonello da Messina torna in Italia grazie al Ministero della Cultura. Chi lavora al MiC sa quanto sia complicato per lo Stato Italiano partecipare ad un’asta, ma questa volta il Ministero ha giocato d’anticipo, assicurandosi un vero capolavoro in trattativa privata, spuntando anche un prezzo più vantaggioso. Grazie ai colleghi che hanno gestito l’operazione, al Ministro che l’ha voluta e al proprietario che ha accolto l’idea che l’opera tornasse in Italia, guadagnando meno di quanto avrebbe potuto”. 

Il costo conclusivo dell’accordo sarebbe pari a circa 12 milioni di euro. Grazie a una trattativa privata che ha coinvolto il comitato tecnico-scientifico del MiC composto da Mauro Agnoletti, Daniele Malfitana, Maria Cristina Terzaghi, Tomaso Montanari e Italo Muntoni, si è riuscito a evitare il rilancio, e quindi prezzi esorbitanti. È stato il gallerista Fabrizio Moretti ad aver fatto da intermediario con l’ultimo proprietario del dipinto, un collezionista cileno, e la casa d’aste americana. Questa compravendita rappresenta un passo significativo anche per il Museo di Capodimonte di Napoli che probabilmente si troverà ad accogliere così una delle opere di Antonello da Messina, artista che sul mercato è rarissimo.

La tavola di piccole dimensioni (19,5 x 14,3 centimetri), dipinta su entrambi i lati, vede protagonista sul fronte il volto sofferente di Cristo, mentre sul retro compare un San Girolamo nel deserto, oggi quasi illeggibile a causa dell’usura. Secondo la ricostruzione dello storico dell’arte Federico Zeri, confermata dall’esperta Fiorella Sricchia Santoro, l’immagine veniva conservata in una bisaccia di cuoio ed era oggetto di devozione privata, consumata da baci e sfregamenti dei fedeli. Tale dipinto ha rappresentato un ruolo cruciale nell’evoluzione iconografica del soggetto, in quanto ha visto la trasformazione dell’icona bizantina in ritratto psicologico moderno, affiancata dall’introduzione in Italia della tecnica a olio di matrice fiamminga.

“Il Canto degli Italiani”, meglio conosciuto come Inno di Mameli, si è ritrovato in questi giorni al centro di una controversa novità istituzionale. Su disposizione di un decreto presidenziale, firmato lo scorso 14 marzo su proposta della presidente del Consiglio Giorgia Meloni e ora attuato, nelle esecuzioni ufficiali dell’inno nazionale del Bel Paese dovrà essere omesso il grido celebrativo “Sì!” che conclude il canto dopo il verso “l’Italia chiamò”.

Secondo la direttiva trasmessa dallo Stato Maggiore della Difesa, contenuta nel “foglio” dello Stato Maggiore della Difesa del 2 dicembre scorso (n. MDA0D32CC REG20250229430), durante gli eventi istituzionali e le cerimonie ufficiali sarà vietato pronunciare l’esclamazione finale, tradizionalmente parte nell’immaginario collettivo. Il provvedimento mira ad adeguare l’esecuzione dell’inno alla versione “originaria” del testo, facendo riferimento a determinate fonti storiche. Nel manoscritto firmato da Goffredo Mameli infatti non compare il “Sì!”, mentre è presente nello spartito musicale originale di Michele Novaro, che è stato quello che le bande a partire dall’Ottocento hanno adottato.

L’esecuzione dell’inno. che verrà eseguito da ora in poi, prende come riferimento quella del 1961 con il tenore Mario Del Monaco, dove effettivamente nel brano, dopo i versi “siam pronti alla morte / l’Italia chiamò” segue solo musica, senza l’esclamazione finale.

Per alcune persone, che hanno analizzato questa scelta con occhio critico, la versione scelta contrasta con la prassi consolidata e con l’esperienza popolare del canto, spesso scandita da migliaia di voci, ad esempio negli stadi e nelle manifestazioni civili.

Fino ad ora, nel corso di quest’anno, il libro più venduto nel nostro Paese è “La catastrofica visita allo zoo” di Joël Dicker, edito da La nave di Teseo. A testimoniarlo è il Rapporto sullo stato dell’editoria in Italia 2025 dell’AIE, presentato alla Fiera del Libro di Francoforte.

La risposta dei lettori conferma come il lavoro dello scrittore svizzero continui a essere molto apprezzato. Infatti, reduce del successo dei bestseller “La verità sul caso Harry Quebert” e “Il caso Alaska Sanders”, l’autore attraverso un romanzo che unisce mistero, umorismo e riflessione, dimostra ancora una volta la sua capacità di coinvolgere un pubblico di tutte le età. Un’avventura per ragazzi, una riflessione sociale per gli adulti, il nuovo volume di Joël Dicker è la prova di come anche una sola storia possa generare infinite chiavi di lettura, e come ogni singolo sguardo possa essere rapito da un elemento che non per forza è in grado di essere compreso da tutti gli altri. In questo modo un libro diventa lo strumento capace di riconciliare le persone.

Innanzitutto è giusto precisare come non bisogna lasciarsi ingannare dal titolo; nonostante sembri che lo zoo possa essere il luogo dove tutto ha origine, non è lì che accade la vera catastrofe. È all’interno di un’aula scolastica che avvenne l’allagamento che stravolse tutti gli equilibri dei bambini. Diversi anni dopo, Joséphine, diventata adulta, prese la decisione di raccontare in un libro cosa accadde durante la visita di classe e nei fatidici giorni che l’hanno preceduta. Si scopre così come la ragazza, insieme ai suoi compagni, ha sempre saputo che la “catastrofe” non poteva essere stata generata da un incidente.

Nel corso della storia emergono così continui segreti, menzogne e dinamiche nascoste che mettono in discussione le convinzioni di tutti. Mistero, suspence, ma anche tanta umanità, sono gli ingredienti principali che Dicker, con il suo stile riconoscibile, riesce a intrecciare con temi complessi come la democrazia, l’inclusione e i rapporti tra genitori e insegnanti, rendendo la sua opera originale.

Il pubblico italiano, dimostratosi ancora una volta particolarmente affezionato allo scrittore svizzero, lo proclama come una delle voci più apprezzate anche nel nostro panorama editoriale.

La top ten dei libri più venduti nel 2025, vede inoltre accanto ai grandi nomi internazionali moltissimi autori italiani, primo fra tutti il vincitore del Premio Strega Andrea Bajani.

Ieri, lunedì 10 novembre, l’Organizzazione delle Nazioni Unite per l’Educazione, la Scienza e la Cultura ha espresso il primo parere favorevole alla candidatura della cucina italiana come patrimonio culturale immateriale dell'umanità. Si tratta del primo fondamentale tassello che apre la strada verso la decisione politica definitiva che il Comitato intergovernativo dell’Unesco prenderà dall'8 al 13 dicembre in India a New Delhi. Tra le altre proposte che verranno prese in esame compaiono anche lo Yodel svizzero, il Son cubano, gli Origami giapponesi, il vino passito ciprioto e la Passione di Cristo in Messico.

Qualora l’esito dovesse essere confermato, quella italiana diventerebbe la prima cucina al mondo a ottenere, nel suo complesso, il riconoscimento Unesco. L’inclusione tra i beni da tutelare e valorizzare a livello globale di una cucina nazionale, intesa come insieme di pratiche, saperi, biodiversità, convivialità e identità condivisa, cambierebbe infatti l’usanza di riconoscere come patrimonio culturale immateriale dell’umanità solo tradizioni culinarie specifiche o riti alimentari regionali.

“La valutazione tecnica pubblicata oggi ci dice che il dossier è ben fatto ed è coerente con gli obiettivi dell'Unesco - evidenzia Pier Luigi Petrillo, professore alla Luiss Guido Carli e curatore del dossier di candidatura -. Occorre però tenere conto che questo primo sì non deve creare illusioni perché il Comitato intergovernativo che si riunirà in India a dicembre ha la possibilità di rivedere completamente la decisione”.

“A livello mondiale siamo al secondo posto dopo la Turchia per riconoscimenti in campo agroalimentare, con cinque ingressi nel prestigioso elenco - sottolinea ancora Petrillo -. Tutto è iniziato a marzo 2023, con Lollobrigida e Sangiuliano e fin dall'inizio della stesura del dossier si è puntato ad un riconoscimento della cucina italiana nel suo complesso. E non per singole espressioni tecniche o produttive come invece fatto dalla Francia, che è entrata nella lista Unesco per i pasti dell'alta gastronomia celebrativi della domenica o delle ricorrenze festive, oppure dal Messico che ha ottenuto il riconoscimento per i pasti celebrativi dei riti religiosi di una minoranza etnica o la Corea che vanta il riconoscimento per la tecnica della fermentazione del Kimchi”.

All’annuncio è seguito l’entusiasmo del ministro dell'Agricoltura, della Sovranità alimentare e delle Foreste, Francesco Lollobrigida, che si è espresso con le seguenti parole: “È bellissimo vedere l'interesse con il quale viene seguito il percorso di riconoscimento della cucina italiana a patrimonio dell'Unesco. Non c'è sito di informazione, giornale specializzato, televisione che non abbia scritto un articolo o previsto un servizio per la prima edizione utile dedicato a questo primo passo importante. Invito però tutti quanti alla calma e a conservare le energie perché dobbiamo compiere ancora qualche passo. Abbiamo candidato una grande tradizione, un elemento che ci contraddistingue, ma non abbiamo ancora tagliato questo grande e meritato traguardo. Grazie per sostenere la candidatura della cucina italiana a patrimonio dell'Unesco”.

Nel corso della storia dell’arte, i furti di opere si sono rivelati sempre molto più che semplici crimini, trasformandosi molto spesso in casi iconici, capaci di alimentare romanzi, film e serie televisive. In fondo, i capolavori artistici non si possono limitare a essere definiti come semplici rappresentazioni ed emblemi della bellezza, ma sono veri e propri simboli di identità culturale. Alcune sparizioni si sono trasformate in una sorta di leggenda, a causa del valore degli oggetti rubati e spesso per le modalità misteriose con cui sono state effettuate.

Nel 1911, Vincenzo  Peruggia, ex dipendente del Museo del  Louvre di Parigi, rubò la “Monna  Lisa” di Leonardo  da  Vinci nascondendola sotto un cappotto e uscendo come niente fosse dal museo: un gesto che spinse l’opera verso la fama globale. L’episodio segnò l’inizio dell’interesse collettivo verso i “colpi d’arte”, dove le virtù estetiche, storiche e culturali di una tela si fondono con la suspense che si cela dietro il furto.

Uno dei casi più inquietanti rimane quello del Isabella  Stewart  Gardner  Museum di Boston (1990), quando scomparirono tredici opere trafugate fra cui il “Concerto” di Johannes  Vermeer e la “Tempesta sul mare di Galilea” di Rembrandt , ancora oggi irrisolto. In altri casi – come la tela “Natività con i santi  Francesco e Lorenzo” di Caravaggio, rubata nel 1969 dall’altare dell’Oratorio de San Lorenzo di Palermo – sono tantissimi i sospetti nati per giustificare l’episodio; per molti si è trattato di un furto commissionato dalla mafia, concluso con la rivendita a collezionisti spregiudicati in Svizzera.

Tra i riferimenti artistici più evidenti nel mondo del cinema risalta ad esempio il film “Ocean’s  Twelve” (2004) di Steven  Soderbergh, che ha scelto come target “L’Uovo dell’Incoronazione” esposto a Roma, o la serie “Lupin” (2021), che ha come protagonista il ladro gentiluomo che mette in atto un piano per rubare una preziosa collana di diamanti appartenuta alla regina Maria Antonietta. Anche la docu‑serie “Art  Crimes”, uscita nel 2022, ha dedicato diverse puntate ai furti più conosciuti e chiacchierati del passato. Queste rappresentazioni mediatiche hanno un doppio effetto: celebrano l’audacia dei ladri, ma allo stesso tempo accendono l’attenzione sulla vulnerabilità di un patrimonio che molto spesso è solo apparentemente al sicuro.

L’episodio recentissimo del furto dei gioielli della collezione di Napoleone al Louvre è l’esempio più lampante che sottolinea quanto i musei siano ancora soggetti ad attacchi sofisticati.

Nel mondo della musicologia, a partire dal Seicento al centro di riflessioni e discussioni si trova la questione del deposito, luogo in cui si accumulato grandi quantità di opere, che finiscono per non essere esposte al servizio della collettività, spesso a causa dei limiti strutturali o della conservazione preventiva.

Indiscussi capolavori vengono conservati nei depositi diventando impossibili inaccessibili. Basti pensare a come nei grandi musei le opere esibite ricoprono circa solo il 5% della loro collezione; l’esposizione permanente infatti rappresenta solo una minuscola porzione della riserva invisibile custodita all’interno delle istituzioni. Questa regola vale in tutto il mondo; l’Italia no fa eccezione, in quanto la maggior parte dei suoi musei occupano edifici storici, che presentano diversi vincoli riguardo gli spazi preesistenti e non consentono l’esposizione di tutti i dipinti e delle sculture.

Artisti, collezionisti e fondazioni si trovano a donare le opere d’arte in loro possesso ai musei, sia per motivazioni legate agli eventuali benefici fiscali sia perché i luoghi di cultura sono considerati gli unici posti in grado di garantire una conservazione adeguata. La conseguenza inevitabile è così la crescita sempre più ampia del materiale all’interno dei depositi. I musei per raggiungere un compresso spesso decidono di rendere accessibili al pubblico le opere più importanti a rotazione, finendo per conservare e non far uscire mai dai depositi quelle di nicchia.

Con il fatto che tante opere famose non siano visibili viene spontaneo interrogarsi sull’utilità dei musei. Le risposte possono essere molteplici. Per alcuni curatori, le priorità principali rimangono la conservazione e la ricerca; archiviare centinaia di creazioni di un artista vuol dire solo proteggere l’arte.

Sono i nuovi musei e quelli più piccoli a intraprendere una strada diversa, che si concentra sui desideri del pubblico. Inoltre è innegabile constatare che i costi per l’archiviazione e la conservazione sono molto onerosi da sostenere.

La soluzione più scontata sembrerebbe quella di vendere le opere archiviate a quelle strutture che possiedono posto per ospitarle e per metterle in mostra. Tuttavia la questione non è così semplice, in quanto per questioni di politica museale, la maggior parte delle istituzioni non può vendere o dare via gli oggetti di cui sono di fatto proprietarie. Questo dipende dal fatto che per molte associazioni per gli scambi tra musei la vendita è vietata.

È nel 1976, che per la prima volta un museo, quello etnografico della British Columbia University di Vancouver, ha progettato un deposito completamente accessibile ai visitatori. Questa proposta poi è stata presa come esempio da diverse altre realtà museali. Il caso più eclatante è il Depot Boijmans inaugurato a Rotterdam nel 2021, che ha trasferito il deposito del museo Boijmans Van Beuningen che espone soltanto il 7% delle opere dell’intera collezione, all’interno di un nuovo contesto sicuro, dopo che nel 1999 era stato vittima di un’importante inondazione.

Il Padiglione Italia è stato coronato da Esquire Japan, edizione nipponica della celebre rivista internazionale di moda e cultura, come “il primo tra i padiglioni di alta cultura più stimolanti”, definendolo come “un’esperienza a tutto tondo”, dove architettura, arte, gastronomia e futuro si fondono armoniosamenttra loro, così coinvolgente che “anche la fila diventa quasi parte integrante dell’esperienza”.

L’opera architettonica, firmata da Mario Cucinella Architects, reinterpreta in chiave contemporanea il concetto rinascimentale della “città ideale”, trasformando il padiglione in un organismo vivente dove arte, ambiente e storia dialogano tra loro. All’interno, il percorso espositivo ospita capolavori di Caravaggio, Michelangelo, manoscritti di Leonardo da Vinci o l’Atlante Farnese, affiancate dal leggendario biplano di Arturo Ferrarin, che nel 1920 volò da Roma fino a Tokyo; a fianco alla tradizione, quindi trovano spazio invenzioni e strumenti moderni, che tutti insieme riescono a definire il Paese.

“Siamo molto lieti di questo ulteriore riconoscimento, stavolta da parte di 'Esquire', una testata conosciuta in tutto il mondo e da sempre attenta alle evoluzioni della moda, del costume e della società. Noi siamo qui con una missione precisa: aggiornare l’immagine dell’Italia in Giappone e in Asia, collegando, come ha sottolineato la rivista, l’arte del passato alle innovazioni tecnologiche che ci permettono di proporre la nostra visione di una società del futuro”, ha dichiarato Mario Vattani, commissario generale per l’Italia a Expo 2025 Osaka .

Ovviamente, essendo l'Italia riconosciuta nel mondo per le sue qualità culinarie, non poteva mancare un’esperienza che portasse il cibo autentico del Paese in Asia: un ristorante Eataly sulla terrazza che affaccia sul paesaggio espositivo offre un autentico “menu all’italiana” che – come dicono gli organizzatori - vuole stimolare tutti i sensi. Infine, la realtà virtuale del Virtual Expo, realizzata da Almaviva ed EY con il Commissariato italiano, permette anche a chi non può recarsi in Giappone di esplorare il padiglione in versione digitale.

Nel 2025 si celebrano due importanti anniversari legati a Thomas Mann: i 150 anni dalla sua nascita (6 giugno 1875) e i 70 anni dalla sua morte (12 agosto 1955). Questi eventi sono accompagnati da celebrazioni culturali e letterarie in tutto il mondo. In particolare, città come Davos, legata alla sua opera “La montagna incantata”, promuovono eventi speciali, così come istituzioni culturali in Germania, Italia, e altrove. È stata inoltre creata una piattaforma internazionale (MANN 2025) per raccogliere e promuovere le iniziative legate al 150° anniversario, favorendo una riflessione critica sulla sua figura e il suo lascito letterario e politico.

Thomas Mann è stato, infatti, una delle voci più lucide e coraggiose nel mettere in guardia l’Europa dai pericoli che incombevano sul suo destino, specie negli anni tra le due guerre e durante l’ascesa dei totalitarismi. Attraverso romanzi, discorsi pubblici e interventi politici, Mann ha denunciato la minaccia rappresentata dal nazionalismo, dal fascismo e dal cedimento dei valori democratici.

Già nel 1922, con la celebre conferenza Von deutscher Republik, Mann pronunciò un chiaro appello alla responsabilità democratica, invocando un impegno culturale e morale verso la libertà e la tolleranza contro le nostalgie per il passato e i rigurgiti autoritari. Quell’intervento fu accolto come una svolta e rimane ancora oggi un esempio di partecipazione civile e responsabilità degli intellettuali. In "Moniti all’Europa" (raccolta di conferenze, discorsi e radiomessaggi dal 1922 al 1945) Mann denuncia il nazifascismo, il nazionalismo aggressivo, il fanatismo e la perdita di valori democratici in Europa, indicando la necessità di un "umanesimo militante" come antidoto al tracollo della civiltà. Nella sua opera più famosa, il romanzo "La montagna incantata"2 (Der Zauberberg, 1924), ritrae una società europea in crisi morale, spirituale e culturale, dominata da malattia e decadenza. Il conflitto tra ragione e fanatismo, progresso e barbarie, fa da sfondo a una riflessione profonda sul rischio imminente di un tracollo della civiltà europea.

Nel corso dell’esilio americano, Mann si impegnò in una serie di conferenze, tra cui The Coming Victory of Democracy, sostenendo che la democrazia avrebbe dovuto essere difesa con coraggio e determinazione dalla minaccia dei suoi nemici interni ed esterni. Riteneva che la libertà non potesse essere semplicemente proclamata, ma doveva essere “presa in mano e difesa contro i suoi mortali nemici”. Solo così si sarebbero evitate la tragedia della guerra e la distruzione della civiltà europea.

Oggi, a 150 anni dalla sua nascita, le preoccupazioni di Thomas Mann tornano drammaticamente attuali. L’avanzata dell’estrema destra, il riemergere di nazionalismi, revisionismi storici e attacchi alla democrazia in molti paesi europei ripropongono scenari che Mann aveva profetizzato con lucidità. La sua convinzione che la civiltà europea debba essere un modello di apertura, dialogo tra culture e difesa delle libertà resta un messaggio imprescindibile per il nostro tempo.

Mann ci insegna che l’Europa non è immune dai fantasmi del passato e che il compito degli intellettuali e dei cittadini è quello di esercitare costantemente la vigilanza critica per preservare la democrazia e la dignità umana. Nelle sue opere ha espresso alcune delle più profonde critiche sulla decadenza della civiltà europea, identificando in modo lucido i segnali e le cause di tale crisi. Le sue analisi trovano oggi nuovi e inquietanti parallelismi con la situazione attuale. Mann, ad esempio, ha spesso sottolineato una perdita di valori morali condivisi e di una direzione spirituale nell’Europa del suo tempo. In “La montagna incantata”, la malattia dei personaggi riflette la malattia della società: lassismo, individualismo, materialismo e relativismo etico sono rappresentati come sintomi di una società priva di forti radici spirituali.

Mann ammoniva anche contro il ritorno di un nazionalismo cieco e distruttivo, considerato da lui non solo come una minaccia politica ma anche come una degenerazione culturale. Sottolineava come il rifiuto del dialogo e dell’apertura fosse preludio all’intolleranza e alla violenza. Nei suoi saggi e romanzi, Mann ha denunciato con insistenza il rischio di un abbandono della ragione in favore di pulsioni irrazionali, di fanatismo e demagogia. L’incapacità di mantenere un dibattito razionale era, secondo lui, uno dei segnali più evidenti della crisi europea.

Il crescente discredito creato intorno alle istituzioni democratiche, il populismo e la polarizzazione politica richiamano i timori di Mann sul cedimento delle basi della convivenza civile.  La crisi dell’autorità morale delle élite culturali e la diffusione di un relativismo radicale ricordano da vicino l’ansia di Mann per una cultura incapace di proporre modelli convincenti e una guida etica affidabile. La tendenza all’incomunicabilità tra gruppi sociali e politici - favorita dai social media e dalle “echo chambers” - rimanda al pericolo descritto da Mann di una società che si chiude nel proprio particolare, perdendo la capacità di confronto costruttivo.

Le iniziative organizzate nel 2025 per ricordare gli anniversari legati a Thomas Mann non devono limitarsi alla dimensione celebrativa, ma diventare preziose occasioni per comprendere le fragilità della civiltà europea di oggi rispetto ai pericoli di regressione, intolleranza e smarrimento dei valori fondamentali. Devono essere fonte di ispirazione per affrontare le sfide attuali evidenziando elementi fondamentali ancora oggi cruciali per la salvaguardia della civiltà europea e della sua democrazia.

L’8 luglio festeggerà 104 anni il filosofo e sociologo francese Edgar Morin, noto per il suo pensiero sulla complessità e l'educazione, che si fonda su un approccio transdisciplinare e integrato dei saperi.

Nella sua opera più importante, in sei volumi, “Il metodo” (1977-2004), Morin denuncia la frammentazione del sapere in discipline separate, che pur essendo utile per il progresso scientifico, impedisce di cogliere la complessità e le interconnessioni della realtà. La realtà va vista come un sistema complesso in cui le parti interagiscono e generano proprietà emergenti non prevedibili isolatamente.

Per comprendere il mondo contemporaneo, Morin propone un dialogo tra diverse prospettive e discipline, superando la compartimentazione del sapere. Solo un pensiero che integri contributi diversi può offrire una visione autentica e globale della realtà. Per affrontare la complessità e preparare al futuro,  l’educazione deve trasmettere soprattutto la conoscenza dei limiti e delle illusioni della conoscenza stessa, e la capacità di collegare e contestualizzare i saperi.

Morin riprende Montaigne per distinguere tra una "testa ben piena" (accumulazione di nozioni senza ordine) e una "testa ben fatta", cioè una mente capace di organizzare, collegare e usare il sapere per risolvere problemi e affrontare la complessità. L’educazione deve mirare a sviluppare questa capacità critica e strategica, non solo a trasmettere nozioni.

In occasione del suo 104° compleanno uscirà in libreria un volume, “Semi di saggezza”, pubblicato da Raffaello Cortina Editore, che raccoglie una serie di tweet pubblicati da Morin nel corso degli anni: sono come un albero. Il vento disperde i semi che spando. A volte ricadono su terreni aridi; in altri casi germoglieranno, lontanissimo da qui. Ogni pensiero di Edgar Morin è davvero un seme di saggezza e dà voce alla speranza in un mondo sempre più intriso di guerre e di odio. È più che mai necessario, urgente anzi, che questi semi di un’umanità positiva si diffondano e mettano radici.

Anticipiamo alcuni di questi tweet, proprio a partire dalla speranza: Non si combina nulla senza speranza, murandosi nella malinconia, nella stizza o nella rassegnazione. Tre stati d’animo oggi così comprensibilmente presenti, ma che confinano le persone in bunker grigi e impenetrabili anche dalle piccolo gioie che soltanto la speranza può ancora alimentare. Se ho vissuto tanto a lungo – scrive Morin – è perchè non ho mai serbato rancore. Ecco un altro consiglio prezioso in un periodo in cui tutti sembrano e sono arrabbiati con tutti, dal vicino di casa al ministro all’insegnante.

Spesso la soluzione ad un problema, l’interpretazione di un fatto, la verità sono più vicine a noi di quanto immaginiamo: le verità che ormai ci paiono banali vanno rivitalizzate. Ci sto provando con questi miei ultimi tweet. Morin riconosce di aver più volte, durante la sua lunga vita, preso abbagli o imboccato strade improbabili e una delle conseguenze è stata la solitudine: tutte le svolte che ho imboccato nella vita erano altamente improbabili…Avevo vent’anni ai tempi dell’occupazione nazista e dell’eroica resistenza dell’URSS. E così sono diventato comunista. Per sei anni ho creduto nel sol dell’avvenire. Solo per gradi ho afferrato l’immane menzogna…La solitudine è il destino dei pionieri, ma anche di chi ha sbagliato strada.

E poi alcuni pensieri sulla vecchiaia,  momento in cui – se si ha la foruna di invecchiare bene come Morin – le esperienze delle vita si compongono e diventano un distillato prezioso, che fa sentire l’energia di una nuova giovinezza: è strano sentirsi giovani quando si è anziani. La scoperta più sorprendente, a 104 anni, è anche la più semplice: Crogiolarsi al sole, semplicemente. Un sentimento di pienezza che ho scoperto sul tardi. Dal filosofo che più di tutti ha studiato e sostenuto la complessità, un riconoscimento commovente alla semplicità.

La memoria della Resistenza italiana ha sempre avuto un posto centrale nelle celebrazioni del 25 aprile, ma negli ultimi anni il modo di narrarla si è profondamente trasformato, soprattutto grazie ai nuovi strumenti digitali. Tra questi, i podcast si stanno affermando come uno dei mezzi più efficaci per avvicinare le nuove generazioni a un tema fondamentale della storia italiana, reinterpretando la memoria collettiva e dandole una nuova voce digitale.

Il contesto: la Resistenza e la sfida della memoria

L’avvento dei podcast: narrazione accessibile e coinvolgente

Il linguaggio dei podcast: narrazione ibrida tra passato e presente

I podcast come strumento didattico: la scuola e la divulgazione

Le nuove generazioni come protagoniste

Criticità e rischi: tra accuratezza e rischio di banalizzazione

L’impatto sociale: memoria collettiva e cittadinanza digitale

Prospettive future

I borghi fantasma in Italia rappresentano un patrimonio unico e una risorsa dal potenziale ancora inespresso. Con centinaia di villaggi abbandonati sparsi lungo tutta la Penisola, questi luoghi affascinano per la loro storia e la loro innegabile bellezza.

Molti di questi borghi si trovano in aree rurali e montane, spesso in posizioni panoramiche che offrono vedute mozzafiato. Essi furono abbandonati nel corso del tempo principalmente a causa di calamità naturali, spopolamento e migrazioni verso le città. Oggi, si presentano come una finestra su un passato non troppo lontano, una scia di racconti e tradizioni che rischiano di essere dimenticati.

Tra i borghi fantasma più suggestivi troviamo Bussana Vecchia in Liguria, un villaggio colpito da un terremoto nel 1887 e progressivamente recuperato negli anni da artisti provenienti da tutto il mondo. O ancora, Craco in Basilicata, reso famoso grazie al suo utilizzo come set cinematografico per film come "La Passione di Cristo" di Mel Gibson.

Visitare questi luoghi offre a chi ama la storia e l'architettura la possibilità di esplorare edifici antichi, chiese e strade lastricate che emergono silenziosamente tra la vegetazione. Ogni borgo racconta una storia unica e offre l'opportunità di conoscere tradizioni e culture che altrimenti andrebbero perse.

Il potenziale turistico dei borghi fantasma è enorme. Diversi sono stati i progetti di recupero e valorizzazione turistica per ridare vita a questi paesi abbandonati. Alcuni programmi prevedono il restauro di antiche abitazioni per trasformarle in case vacanze o in strutture ricettive per gli amanti del turismo esperienziale.

Oltre a rappresentare un'attrazione turistica, il recupero di questi villaggi può anche contribuire alla crescita economica e al recupero culturale delle aree interne del Paese, garantendo un nuovo futuro sostenibile alle comunità locali.

Il fascino dei borghi fantasma italiani continua ad attirare visitatori da tutto il mondo, pronti ad immergersi in una dimensione sospesa tra sogno e realtà. Una visita che promette un arricchimento culturale e un'esperienza indimenticabile.

La tradizione culinaria italiana, riconosciuta in tutto il mondo, sta vivendo una nuova giovinezza grazie alle generazioni digitali italiane. In un'era dominata dalla tecnologia e dai social media, l'arte della pasta fatta in casa, simbolo autentico della cultura gastronomica del Bel Paese, sta conoscendo una rinascita senza precedenti.

Questa riscoperta è alimentata da un misto di nostalgia e innovazione. Le nuove generazioni, pur essendo native digitali, dimostrano un crescente interesse verso le antiche tradizioni culinarie dei loro nonni. Armati di smartphone e una connessione Internet, molti giovani si cimentano nella preparazione di tagliatelle, lasagne e ravioli, documentando i loro progressi su piattaforme come Instagram e TikTok.

A testimoniare questo trend è il boom di tutorial, blog e video dedicati alla pasta fatta in casa che popolano il web. Influencer gastronomici e chef professionisti non perdono occasione di condividere le loro ricette e i segreti della preparazione perfetta. L'elemento chiave di questo revamp digitale della cucina tradizionale è proprio la capacità di coniugare tecnologia e tradizione.

Un altro fattore che spinge i giovani verso la riscoperta delle tradizioni culinarie è la ricerca di autenticità e sostenibilità. In un tempo in cui le questioni ambientali sono al centro del dibattito pubblico, la pasta fatta in casa rappresenta una scelta più ecologica rispetto ai prodotti industriali. Inoltre, la pasta fatta al momento offre la possibilità di scegliere ingredienti locali di stagione, migliorando la qualità del piatto finale e riducendo l'impatto ambientale.

La riscoperta di questi antichi gesti va al di là della semplice cucina. Si tratta di un modo per le famiglie di riunirsi e condividere momenti di intimità e cooperazione. Non è raro che le competenze culinarie vengano tramandate di generazione in generazione, assegnando un significato profondo a piatti che, attraverso le mani giovani, attraversano indenne i secoli.

La pasta fatta in casa diventa così simbolo di un ritorno alla lentezza e alla qualità del vivere, un antidoto perfetto ai ritmi frenetici e all'iperconnessione della vita moderna. Con la marea di risorse disponibili online, anche chi è alla prima esperienza può facilmente imparare tecniche secolari e scoprire la soddisfazione di creare qualcosa con le proprie mani. Di fatto, mentre la tecnologia continua a evolversi, il legame con le tradizioni resta immutato, dimostrando la capacità del digitale di valorizzare le eredità culturali.

Dalla Sicilia al Veneto, si assiste a un fiorire di iniziative e programmi che attirano non solo studiosi e appassionati, ma anche nuove generazioni in cerca di luoghi dove poter esprimere e sviluppare le proprie idee. Tra le città che si distinguono maggiormente per l'impegno in questa direzione c'è Bologna, con il suo ricco tessuto di associazioni culturali e spazi dedicati alla divulgazione artistica e letteraria.

Secondo una recente indagine dell'Associazione Nazionale Circoli Italiani, negli ultimi cinque anni è stato registrato un aumento del 20% di nuovi iscritti nei circoli culturali. Questo fenomeno ravviva il tessuto sociale delle città, offrendo alternative all'intrattenimento tradizionale e promuovendo la partecipazione attiva dei cittadini.

I circoli culturali si propongono spesso come luoghi di resistenza culturale in un contesto dove la fruizione di contenuti culturali è sempre più relegata al mondo digitale. Qui, l'esperienza di un dibattito dal vivo, di una lettura condivisa, o di una esposizione artistica acquista un valore speciale, rappresentando un antidoto alla virtualizzazione delle nostre vite sociali.

Un esempio significativo è il Circolo dei Lettori di Torino, che ha ampliato la sua offerta con eventi che spaziano dalla letteratura alla musica, raccogliendo intorno a sé una comunità eterogenea e vivace. Questa diversificazione dell'offerta è una delle chiavi del successo attuale dei circoli culturali.

Il ritorno dei circoli culturali è salutato positivamente anche dalle amministrazioni locali, che vedono in queste istituzioni un potente strumento di rigenerazione urbana. Investimenti in spazi culturali contribuiscono non solo alla crescita intellettuale delle comunità, ma anche alla rivitalizzazione economica dei quartieri.

In un momento storico in cui l'isolamento sociale rappresenta una sfida crescente, i circoli culturali riaffermano la centralità della cultura come motore di integrazione e dialogo. La loro rinascita può dunque essere vista come un segnale incoraggiante per il futuro delle città italiane, un invito a recuperare il valore del confronto e dell'incontro.

Il neorealismo, emerso nel dopoguerra, si distinse per la sua capacità di raccontare storie autentiche utilizzando attori non professionisti e location reali per ritrarre la vita quotidiana con una cruda sincerità. La tecnologia della realtà virtuale, con la sua capacità di fornire esperienze immersive, offre ora agli spettatori una modalità completamente nuova per vivere queste storie. Registi contemporanei come Matteo Rovere e Alice Rohrwacher stanno adottando la VR per portare il pubblico "all'interno" delle narrazioni in un modo che mai prima d'ora era stato possibile.

Ad esempio, un recente progetto intitolato "Roma 2025" utilizza VR per trasportare gli spettatori nei vicoli di Roma, raccontando storie di vita vissuta attraverso uno sguardo neorealistico. Gli utenti possono "camminare" tra vicoli e piazze iconiche, interagendo virtualmente con scenari che evocano l'atmosfera del neorealismo degli anni '40. Questa tecnologia non solo arricchisce l'esperienza visiva, ma permette anche un grado di empatia e di coinvolgimento emozionale mai raggiunto prima. Il risultato è un dialogo tra passato e presente che ridefinisce i confini della narrazione cinematografica.

Un altro ambizioso progetto è quello intitolato "La Strada Virtuale", ispirato all'opera di Federico Fellini. La capacità di ricreare scenari neorealistici con una precisione dettagliata grazie alla VR offre non solo una nuova vita alle pellicole classiche, ma anche un'opportunità di rivivere il genius loci della narrazione italiana.

L'accoglienza del pubblico è stata entusiasta: molti spettatori hanno dichiarato che l'uso della VR nei contesti neorealistici intensifica il sentimento di presenza e partecipazione. Gli esperti del settore considerano questo approccio come un'evoluzione naturale della tradizione cinematografica italiana, suggerendo che il matrimonio tra tecnica neorealista e realtà virtuale potrebbe fungere da trampolino di lancio per altri generi cinematografici impegnati nella sperimentazione tecnologica.

In conclusione, la sinergia tra il cinema neorealista e la realtà virtuale rappresenta una promettente frontiera nel panorama cinematografico globale. Questi primi esperimenti indicano che il cinema italiano potrebbe aprire nuove strade nella narrazione multimediale, onorando nello stesso tempo il proprio passato mentre si proietta nel futuro.